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第9章（第2页）

之类的一声大喊，那我们定能继踵而至，踩着他的脚印，让相机来欢呼“我拍到了”

，就算他确是拍下了一张绝妙的照片，我们也能用几十、几百张完全相同的作品，把他的发现变得一文不值——实际上我们一直是这么做的，在各种“景区”

，都有一些被认为是上佳的拍照位置，游客们拥挤在那种地方，镜头如林。

在某个山峰上，我见过数十人挤在一块横伸出去的危岩上（我如果不是恐高，也会在那里的），个子矮一点在前面，高个子在后面，井井有条，几十条长短不齐的镜头一同举起，那景象真是壮观。

如此拍出的照片自然是大同小异，没什么价值，但至少没有让旁人得以专美，对吧？

这里的迷惑在于，假如一位真正的摄影艺术家，拍出一张绝佳的作品，而另一个人在同样的位置，同样的时分和光线条件，用同样的相机和同样的曝光参数，然后用同样的暗房处理，得到了另一张几乎完全一致的照片。

前一张是世人惊叹的艺术品，那后一张呢？它看上去可与第一张没什么两样，除了一点，它是个彻头彻尾的依样葫芦，它的拥有者除了机械地模仿，什么也不会，对艺术更是毫无感觉；而作为观赏者的我们，何以区分这两张照片，哪个是西施，哪个是东施呢？这不像在绘画中，你可以坐在一位大师的身边，盯着他的一举一动（我们甚至可以设计一下，请大师放慢笔触），亦步亦趋，照猫画虎，然而你所得的，谁都能够看得出来，是一张没有个性的、拙劣的模仿品。

照相不是这样。

摄影艺术家的创造力，他的想象与表达，确实不像绘画中那样体现在无穷无尽的细节中。

在摄影中，决定成败的细节是有限的，因而是可以复制的。

假如1942年，安塞尔·亚当斯拍摄《提顿山与蛇河》时，我像橡皮糖般粘在他身边，而且跟踪到他的暗房里，像影子一样复制他的一举一动，我很不情愿地认为，我确能得到一张同样的作品，而我的作品虽然没什么价值，却能使他的杰作减色呢。

谢天谢地，这样的事是不常有的。

我也没有机会跟踪安塞尔·亚当斯，不过，我确曾模仿过他的《提顿山与蛇河》，拍下弯弯曲曲的河道，并且为了模仿得更像，我还把照片处理成黑白的，自鸣得意了一番。

前面提到的乔纳森，在第二篇文章里，在评论《幻影》时，尖刻地写道：“这张照片是黑白的，就这一点就该让我们停下来问问为什么。

当今，这样有意地运用本已过时的风格，只能是出于怀旧和装腔作势，想造成‘艺术的’效果。

是啊，今年夏天我在帕特农神庙拍的照片，转换成单色的，看着也不错呢。”

我不赞同乔纳森文章里的大多意见，但这条除外，他说得很对，我把照片转换为单色的，只有两个原因：其一，彩色的原照灰蒙蒙的，很难看，我又不知怎么去调整；其二，确实是想造成“艺术效果”

，说白了，就是蒙人。

我的那张照片是业余八流的劣作，无论它是以彩色的还是单色的面貌出现，然而当变成单色的之后，确实看着顺眼多了，一些失败的细节被抹掉了。

通过处理，确能把一张照片打扮得更“美”

，但与此有关的迷惑是，这确实是我当时看到的吗？不是，当时我站在高处，看见窟野河流入黄河，河面在傍晚的阳光中闪闪发光，它从北面流过来，在我脚底下绕了一个大弯，到接近黄河时为地势所阻，折而向西南，河身几与黄河平行（黄河在这一带是自北向南流的），又拐了一个弯，这才觅地入河。

我看到的是起伏的地势与河道的合作，那些黄色的丘陵，部分为野草及绿色的人工林覆盖，本身似乎没有什么可被称为美丽的东西，虽然是晴天，空气中飘浮着看不见的水汽和尘土，使天空灰蒙蒙的，然而在当时，这些因素共同造就了一种面貌，那是在青天白日下不易注意到的，使我满怀情感地按下快门。

但晚上一看照片，大失所望，我拍出的没有任何引人注目之处，拙劣的技艺，使我无法记录和传达我的情绪，把照片变成黑白后，有所悦目了，但离实际的感受相距更远。