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元气淋漓障犹湿中国绘画中的美学情怀与现实观照（第4页）

然而，20世纪初期以来，中国画因受西方文化艺术的冲击和影响，过多地强调“变”

与“创新”

的一面，疏离乃至摒弃了“不变”

与“传承”

的一面，并方枘圆凿地将中国画以“艺无古今”

为内核的“创新性”

比附于西方所谓的“现代性”

。

人们在热衷于这种比附的时候，恰恰忽略了现代美术史上一个巨大的文化悖论：当西方现代美术从中国古典文人写意画中努力寻绎并发掘“现代性”

的时候，现代中国画却以背道而驰的方式接引西方的古典写实主义。

在文化、学理的层面上，其偏向性是不言而喻的。

比照中西现代美术的发生与发展，所谓古与今、旧与新、传统与现代，从来不是泾渭分明的。

梁永琳：

唐代李邕说：“似我者俗，学我者死。”

明末清初的石涛则有“我之为我，自有我在”

之语，郑板桥更明确提出“十分学七要抛三，各有灵苗各自探”

，齐白石也有“学我者生，似我者死”

之诫。

结合您的艺术创作和美学实践，您怎样理解这些书画家对艺术家主体意识的强调？如何理解、认识中国绘画的发展之路？

王明明：

无论什么时代，中国画的发展必须要在传统脉络之下延续与传承，传统是通往中国画的必经之途。

有传统才有根基，在此基础上的传承才有普遍意义，才知道该向哪个方向突破，才能明辨这种突破是否有意义。

李可染所说的“用最大的功力打进（传统）去，用最大的勇气打出来”

，就是要学习前人的经验，走出自己的路子。

艺术创作的最大特点就是一定要有唯一性、原创性，任何一种经验一旦在画史确立，此路便将自动“关门”

，不再接受同样的“经验”

，这其实是逼着画家在此脉络下“创新”

。

换个角度看，这个“机制”

是颇有道理的，因为中国画其实就是画家心性的载体，时代不同、学养不同、经历不同、兴趣不同，当然就产生不同的“经验”

，若按照前人的“经验”

去简单描摹，自然就没有存在的价值。

借鉴传统最后还是要落实到时代精神及自我境界上。

画家在传统的脉络之下，在中国文化的大背景之下，画出当下真实的心境（我们是“现代人”

），便是创新，新的东西经历时间的淘洗若留了下来，便是传统，如此往复。

中国画发展两千余年而经久不衰，有如此强大的生命力，是因为其依托中国文化，有强健的“心脏”